Relacionando conceptos

El Land Art

El Land Art es una corriente que utiliza los materiales y el paisaje natural como base para sus creaciones, es decir, utiliza elementos de la Tierra para crear arte. El creador del término “Land Art” o “Arte en la tierra” fue Robert Smithson.  

Su origen tiene lugar en Estados Unidos en los años sesenta y setenta.

Características

·                 Busca alterar o transformar el paisaje con fines estéticos, buscando producir emociones.

·                 Uso de elementos de la naturaleza.

·                 La naturaleza es el escenario donde será expuesta la obra.

·                 Busca la relación del humano con su entorno natural, así como recordarle el significado efímero de la vida.

·                 Busca dejar por sentado la relación que tuvo el artista con el medio ambiente.

·                 Propone una intervención directa del paisaje, lo que a su vez tendrá un impacto en el mundo sensorial del humano que lo observe.

·                 El Land Art también puede integrarse en el paisaje urbano.

·                 La intervención en el paisaje no sólo es de tipo visual, sino que implica un cambio en su topografía, puesto que para la realización de muchas de sus manifestaciones se implementa el uso de excavadoras, pintan árboles o rocas, colorean las aguas u otro tipo de modificaciones semi y totalmente permanentes que implican cambios dramáticos en el espacio.

·                 El artista integra al paisaje de forma armónica a la obra, convirtiéndolo en parte vital de la propuesta plástica.

·                 El espectador no se limita a simplemente ver, sino que lo incluye dentro de la obra, para que ésta pueda realizarse con su presencia.

·                 Busca erigir obras de carácter efímero.

Finalidad

Este movimiento busca sacar el arte de los museos y de un contexto normal. Su objetivo es la conexión entre el arte y la naturaleza. Además, este arte une al ser humano con el entorno natural. Por tanto, hace que el espectador aprecie o reflexione sobre el medio ambiente y el trato que le estamos dando.

Formas más utilizadas. Tipos de imágenes (lineales, circulares…)

Las formas más utilizadas suelen ser  la línea, la espiral, el círculo y el cuadrado, incluso formas geométricas tridimensionales. En ocasiones, las formas son las de la propia naturaleza, es decir, de los materiales que se usan y que no se manipulan en exceso.

Elementos, recursos materiales empleados

El Land Art se construye generalmente con materiales como piedras, rocas, ramas, agua, hojas, junto con otros elementos naturales, además que pigmentos, cuerdas y el metal frecuentemente empleados.  Además debemos saber que la mayoría de obras de Land Art son provisionales o dejadas a merced de los elementos naturales, como la lluvia, la erosión, el viento cualquier cambio en el entorno.

Estilo y resultado

Con respecto a los estilos, no hay un único estilo dentro de esta corriente. Unos artistas se centran en emplear sólo elementos que se encuentren en la naturaleza, otros se basan en la pintura del entorno y algunos fijan su atención en la arquitectura y en la composición que se dibuja.

Como resultado puede quedarse en el lugar a modo de instalación o puede ser creado únicamente para fotografiarlo. Muchos de los artistas se toman la licencia de modificar la topografía o el paisaje además como suelen permanecer al aire libre, la erosión de las obras sirve para crear nuevas variantes de la pieza original. Por tanto, son los caprichos del medio ambiente los artífices de modificar las creaciones que tienen a la propia naturaleza como protagonista.

Otras denominaciones

A continuación analizaremos otras denominaciones para llamar a este tipo de arte.

Se suele utilizar “arte ambiental” como un término general para abarcar eco-arte o ecológico, land art (explicado anteriormente), “earth art” o arte de la tierra, “earthworks” o trabajos en la tierra, o arte en la naturaleza e incluso algunos otros términos menos comunes. Muchas personas utilizan hoy Eco-Art indistintamente con arte ambiental. El término es de gran utilidad, pero hay que distinguir los enfoques de arte contemporáneo con qué es land art y Earth art, ya que, actualmente, por lo general, implica un activismo. La denominación que mejor se corresponde con esto es Eco-Art, la abreviatura de Arte Ecológico. Aunque Arte ambiental es el término más antiguo. Se debe también tener en cuenta que usar cualquier término siempre tiene sus propias limitaciones y desafíos.

Arte Ambiental

El término “arte ambiental” abarca, a menudo, las preocupaciones ecológicas pero no es específico para ello. Es lo suficientemente flexible para los inicios de la historia de este movimiento y de qué es land art, así como con unas preocupaciones más activistas y que principalmente celebra una conexión entre los artistas y la naturaleza utilizando materiales naturales.

Eco-Arte

Dentro de la explicación de que es land art incluimos eco-art, una contracción de arte ecológico más pegadiza. Eco-art es un movimiento de arte contemporáneo que aborda cuestiones ambientales y a menudo implica colaboración, restauración y con frecuencia es más respetuoso con el medio ambiente, en el enfoque y la metodología. El “Arte de restauración”, otro término que aparece de vez en cuando, se refiere al arte que” restaura” los ecosistemas dañados o contaminados y los paisajes. Podía considerarse una forma de eco-arte.

Ecovention

Acuñado en 1999, el término “ecovention” (invento de ecología) describe un proyecto iniciado por un artista que emplea una estrategia creativa para transformar físicamente una ecología local. En el contexto de todos estos términos de qué es el land art, lo consideraría parte del “eco-arte”. Muchos de los ejemplos en la “ecovention” fueron expuestos y catalogados bajo otros términos. Como un concepto basado en la exposición, constantemente se está volviendo más familiar y más generalizado.

Arte en la naturaleza

Esta denominación dentro de qué es land art, se utiliza más a menudo en Europa y se refiere más al trabajo de Nils-Udo y Andy Goldsworthy. Es un estilo que crea hermosas formas (generalmente al aire libre) con materiales naturales encontrados en el lugar como pétalos de flores, barro, ramas y piedras. Tiene algunas similitudes con el trabajo temprano de Ana Mendieta y otros trabajos suyos que documentó con una concepción y conexión más personal y feminista con la tierra. El significado del arte contemporáneo en la naturaleza parece tener más inspiración en un tipo de minimalismo romántico, deleitándose con la belleza abstracta y potencial, decorativa en las formas naturales efímeras. Como tal, generalmente carece de contenido manifiesto feminista, ecológico o político. Estas obras tienen mensajes mucho más sutiles. Muchos proyectos se forman a través de performances, actuaciones o instalaciones cuidadosamente documentadas en impresionantes fotografías o videos que luego son vendidas en galerías o en elegantes libros para mostrar qué es land art. Los proyectos artísticos en la naturaleza son generalmente de menor escala y más íntimos que el arte tradicional de la tierra. Las mandalas hechas con materiales naturales también serían consideradas arte en la naturaleza. Estos proyectos generalmente implican una dimensión espiritual abierta y son considerados por los artistas como rituales de curación para la Tierra. Puede haber cierta superposición entre el arte en la naturaleza y eco-art, como en la obra de Daniel Dancer en su obra Zero Circles que utiliza mandalas y formas circulares para llamar la atención sobre los problemas ambientales de la tierra y sus consecuencias.

Daniel Dancer

Ana Mendieta

Origen

Sus primeras expresiones podríamos decir que fueron las primitivas pinturas rupestres o los dólmenes o círculos de piedras como el Stonehenge.

El Land Art saltó a la popularidad cuando apareció en el Suroeste de América del Norte, sin embargo estas obras hoy sólo existen como fotografías o grabaciones. Los artistas comenzaron a crear Land Art para poder criticar la artificialidad y la comercialización del arte que terminó siendo popular durante su periodo. El Land art concede un enorme valor al proceso constructivo de la obra frente al resultado final, o sea, se valora el cómo se hace de igual forma que la obra resultante.

Las creaciones eran a menudo a gran escala, los artistas necesitaban el equipo apropiado para poder proceder a realizar su diseño en la naturaleza. Como los proyectos eran casi siempre costosos, el artista, dependía principalmente de la financiación de fundaciones o clientes exclusivos. Así, el Land Art disminuyó la actividad en crisis financieras como en la década de 1970.

La primera obra considerada como Land Art fue desarrollada por los artistas Douglas Leichter y Richard Saba en Skowhegan School de pintura y escultura.

¿Cómo ha evolucionado este tipo de arte?

La evolución del land art ha sido rápida, además de intentar cambiar el concepto social sobre la naturaleza, durante la gran crisis ecológica que estamos sufriendo.

Se parte de una idea de naturaleza como territorio, es decir, algo inerte. Tras las primeras obras se toma conciencia de la capacidad del ser humano para transformar la “piel” de la tierra.

Las obras más actuales intentan llegar al público pidiendo la preservación y cuidado de la naturaleza, así como la regeneración de la misma. También la comprensión de nuestro entorno, de su estructura, el respeto hacia la naturaleza, el valor y la permanencia de ésta.

Hasta hace relativamente poco el arte no atendía a la dinámica de transformación, centrándose en reafirmar los estereotipos coincidentes con una naturaleza: verde y diversa en sus formas (árboles, por ejemplo). Esto no es independiente de la idea de naturaleza dominante, construcción mediática que, ante el imparable interés que dicho tema suscita intentará convertirlo en un concepto simple y adaptable a todo tipo de intereses.

Actualidad

En la actualidad hay una mayor libertad artística que junto con las innovaciones técnicas y conceptuales han liberado a los land art artistas de la tierra para crear sorprendentes obras: esculturas con y en la naturaleza y arquitecturas en la tierra. Algunas de estas obras son gigantescas mientras que otras más pequeñas son sorprendentes por el gran trabajo conceptual, de esfuerzo y por los materiales utilizados para su realización. Además se encuentra en un constante aumento gracias a la construcción de los denominados centros de arte y naturaleza.

Por otro lado Gerry Joe Weise, artista visual nacido en Australia en Sydney, ha expuesto en numerosos países más importantes, incluyendo los EE.UU., Francia y Alemania. Muchas de sus obras de arte están presentes en museos, colecciones públicas y privadas de todo el globo. Él es un especialista en arte de la tierra, el uso de muchos tipos diferentes de medios en muchas formas diferentes. Un nuevo libro "Land Art", será lanzado en noviembre de 2016 para 51 países.  

Gerry Joe Weise, Land Art, efímeras anillos de marea (antes y después de la marea), playa del embarcadero, Coffs Harbour, Nueva Gales del Sur Australia, 23 de Febrero de 2016.

Twister, lavable pigmento natural y la instalación de vegetación, Parque Nacional Dorrigo, Nueva Gales del Sur Australia de 2016.  

¿En qué se inspiran los artistas?

La inspiración de los artistas para el surgimiento del land art, fue a causa del interés por pretender que la sociedad tuviera otro punto de vista sobre el arte, atribuida más, a la escultura de sólo complacer como decoración. Algunos artistas al estar realmente preocupados y ansiosos por superar esta limitada función,se desplazaron hacia otros terrenos con el propósito de ampliar el área del arte, para lograr hacer de ella algo más que la discusión de las relaciones entre el color y la forma.

Algunas actividades afines llevan hasta el Land Art, practicada por los artistas Robert Morris, Robert Smithson y Denis Oppenheim, en las que el principio fundamental es alterar, con un sentido artístico el paisaje para producir el máximo de efectos y sensaciones en el observador.

El artista del Land Art utiliza como materia prima para sus obras el medio ambiente. El soporte y el material  es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural.

Así surge la transformación que permite a esta experiencia artística recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, transmitir sensaciones, reinventar lugares o reflejar la relación entre el ser humano y la tierra, ya sea llamando la atención sobre su belleza y la de los elementos o con ánimo de concienciar sobre el trato que damos a la naturaleza.

Colores más empleados

Los colores que podemos ver en las obras de Land Art son los que podemos encontrar usualmente en la naturaleza: azules, verdes, marrones, grises, entre otros.

Además, en algunas de estas obras, pueden introducirse pigmentos: pintura en algunas obras, telas, entre otros.

Situación Histórica

Aunque se suele tomar como punto de partida del Land Art la década de los años 60 también es cierto que ya en 1955 se había presentado la obra “Earth Mound”, de Herbert Bayer, que tiempo después se consideraría una temprana obra de Land Art. Además, aunque muy rompedor y original, el Land Art se fija en las grandes infraestructuras que el hombre construye en la faz de La Tierra desde los menhires y obras faraónicas hasta las pistas de despegue, puertos y autopistas. Para el Land Art los límites del tiempo son difusos, no ya tanto los del espacio.

Lo que el Land Art tiene de revolucionario probablemente se lo deba a la coyuntura histórica bajo la que se desarrollaron sus bases. Se trata de un momento conflictivo en el contexto mundial (Guerra de Vietnam, Guerra Fría, Asesinato de JFK, llegada a la luna, construcción del Muro de Berlín, medioambientalismo, discurso de Martin Luther King Jr., fundación de la Organización Nacional de la Mujer, Revolución Cultural en China, etc.) que dará pié a la formación de una nueva conciencia y a la incidencia y permanencia de esta en las sociedades industrializadas contemporáneas. En términos ideológicos obtendremos el nacimiento del hipismo y en términos artísticos el minimalismo.

Es precisamente a este movimiento artístico, y más concretamente a los llamados Specific Objects, al que el Land Art debe parte de su concepción. El quid de las piezas minimalistas, dice Michael Lailach, radicaba en la novedosa ubicación en el espacio de las mismas, por cuanto el espectador, privado de la ilusión de un espacio pictórico perspectivista, se ve arrastrado a la inmediatez temporal y espacial de la propia mirada. Las obras de arte minimalistas no tienen una orientación perspectivista: carecen de un punto de contemplación concreto, no son interpretables a partir de una perspectiva determinada.

Como lo hizo el minimalismo, también influirían en el nacimiento y desarrollo del Land Art otras corrientes artísticas anteriores a ambos como el futurismo (movimiento, paisaje industrial), el dadaísmo (deambular, espacios banales, no-lugares) y el situacionismo (visitas). La sencillez poética del Haiku japonés fue otra de las fuentes de inspiración ideológica de muchos representantes del Land Art tal y como hoy es entendido.

La aparición del Land Art aportó una nueva dimensión en la representación artística, recuperó elementos de la iconografía prehistórica y antigua y propuso otros nuevos. Gracias al ilusionismo de algunos artistas y a la originalidad de otros la variante estética del paisaje quedó francamente enriquecida.

Autores destacados y sus obras

 Smithson EE.UU. (1938-1973)

Spiral Jetty, Gran Lago Salado de Utah, Estados Unidos. 1970. 15 metros de ancho y 1.5 km de largo.

Spiral Hill, Holanda. 1971. La base mide 75 metros.

A Nonsite, Pine Barrens. Nueva Jersey. 1968. Mide 12" alto x 16 1/2" x 65 1/2".

Robert Morris EE.UU.

El observatorio: situado en Flevoland, en los Países Bajos, en 1977. Se compone de dos montículos de tierra concéntricos (el exterior tiene un diámetro de 71 m) atravesada por tres aberturas y divididas por una zanja. El círculo interior está compuesto por una estructura de madera que soporta la tierra cubierta de pastos e incluye cuatro aberturas, siendo uno de ellos la entrada. Que viene a través de un túnel en forma de triángulo.

Michael Heizer California, EE.UU.

Double negative: Heizer excavó 240.000 toneladas de arenisca en la Mormon Mesa del desierto de Nevada para crear dos simas enfrentadas, cada una de 12 metros de profundidad y 300 de longitud, separadas por un profundo barranco. Forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Los Ángeles. 

Richard Long U.K.

A line made by walking, que se puede traducir como “Una línea hecha al caminar”, fue realizada con los propios pies de Long, al caminar en línea recta sobre la hierba, formó una línea y la fotografió.

Christo Javacheff (Bulgaria) y Jeanne Claude (Marruecos) Matrimonio de artistas.

Islas Rodeadas: El 7 de mayo de 1983, la instalación de  islas rodeadas  se completó en la Bahía de Biscayne, en Miami. Las islas fueron rodeadas con 603,870 metros cuadrados de flotación de color rosa formada por tejidos de polipropileno que cubre la superficie del agua y que se extiende hacia fuera 61 metros de cada isla en la bahía.

James Turrell California (EE.UU)

James Turrel transformó la cima del cráter de un volcán dormido en medio del desierto de Arizona, a 40 kilómetros al noreste de Flagstaff, en un observatorio astronómico donde se pueden observar los ciclos del sol y de la luna. 

Walter de Maria. California, EE.UU.

Campo de relámpagos: Walter de Maria plantó 400 postes de acero pulido de entre 4,7 y 8,3 metros de alto a lo largo de una cuadrícula de casi dos kilómetros cuadrados al norte de Quemado, en el desierto de Nuevo México. Todas las puntas de las barras se encuentran al mismo nivel, aunque su longitud varía adaptándose a las cotas del terreno. Un espacio místico cargado de energía que funciona plenamente cuando se produce una tormenta eléctrica (la mejor época es entre mayo y octubre) y los rayos son atraídos por los postes.

Douglas Leichter y Richard Saba

De Douglas Leichter y Richard Saba, decir que, el primer trabajo denominado como arte de la tierra fue creada en la Escuela de Skowhegan de Pintura y escultura de estos artistas.

Hans Haacke, Alemania.

Cubo de condensación: Realizada en 1965. Es una escultura de metacrilato y agua, en forma de cubo cuyas dimensiones son 76 cm cúbicos.  Es una de las obras iniciales en la trayectoria artística de Hans Haacke y consiste en un cubo de metacrilato lleno de agua y en el que se observa el proceso de condensación del agua por el contraste de temperatura fuera y dentro del cubo. Haacke realizó esta obra porque le llamaba mucho la atención los procesos físicos.

Alice Aycock, Pensylvania, EE.UU., fue discípula de Robert Morris.

Una de las primeras obras de Alice Aycock fue Laberinto, 1972, que como su propio nombre indica es una estructura de madera formando un laberinto realizado en mitad de la naturaleza, ya que Alice pretendía integrar la arquitectura en la naturaleza.

Nancy Holt, Massachussets, EE.UU.

Su obra maestra fue Sun Tunnels o Túneles de sol, realizada en el desierto de Utah. La obra consta de 4 grandes contenedores cilíndricos de concreto que forman una X. Para realizar esta obra, la artista necesitó la ayuda de cientos de profesionales, como ingenieros, astrofísicos, astrónomos, investigadores, operadores de máquinas pesadas, carpinteros, etc. La obra está realizada estratégicamente para que el 21 de diciembre, al amanecer y al atardecer se pueda apreciar como la luz del sol se alinea perfectamente y atraviesa estos "túneles" creando una visión luminosa, que, según consideran, lo mismo evoca culturas paganas que culturas industriales, en una interesante fusión de mundos. Los usuarios pueden recorrer el túnel.

EN ESPAÑA:

Eduardo Chillida, San Sebastián (País Vasco).

La obra que destacamos de Chillida es El peine del viento, 1952. Es un trabajo que desarrolla hasta 1999 con 23 esculturas y una serie de obras en papel. De estas 23 esculturas la más emblemática es Peine del viento XV, Se encuentra situado en un extremo de la Bahía de la Concha, al final de la Playa de Ondaterra, en el municipio de San Sebastián, en la provincia de Guipúzcoa en el País Vasco. Con un lenguaje poético, invierte la eterna metáfora para que el viento entre peinado a la ciudad. Ideada en acero corten para resistir al paso del tiempo y a la fuerte erosión del mar y del viento, el Peine del Viento se presenta como un conjunto monumental de tres sólidas formas de acero poderosamente aferradas a las rocas que se abren como garras y desafían las leyes de la naturaleza.

Fina Miralles, Sabadell (Barcelona).

Fina Miralles hace una mezcla entre Land Art y performance con su obra: (Relaciones del cuerpo con elementos naturales: cubrir el cuerpo con paja), pertenece a una serie posterior en la que el cuerpo del artista se funde con una serie de elementos naturales, estableciéndose una identificación completa con él, formando una sola unidad de valores intercambiables Girando alrededor de los procesos eternos de destrucción y renacimiento de la naturaleza.

Miguel Ángel.

Piedras Blancas (2014). Formada por 3000 bolas de cemento blanco hechas por el artista. Las piedras blancas ruedan ruidosamente, rebotan e incluso se deslizan por una montaña y por senderos. 

Perejaume

 Platea abrupta (1999).

Angels Ribé, Barcelona.

Angels Ribé se considera pionera del Land Art en España. Su obra más importante es Espuma de jabón. Consiste en una escultura blanda y efímera, colocada en el interior del mar, realizada con jabón industrial encapsulado en una lata, en forma de espuma. En ella el factor aleatorio está implícito, ya que su vida y transformaciones estarán determinadas en función del viento, de la temperatura, del entorno y del agua misma y del oleaje o movimiento marino.

Agustín Ibarrola

El bosque de Oma. Cerca de la localidad vizcaína de Kortezubi se encuentra el bosque pintado o bosque de Oma, una obra del pintor escultor Agustín Ibarrola realizada pintando en los troncos de los árboles, principalmente pinos, figuras humanas, animales y geométricas, algunas de los cuales solo se hacen visibles desde posiciones determinadas, en las que las imágenes de distintos troncos forman una imagen conjunta.

La obra más famosa: Spiral Jetty

El trabajo más conocido de land art es Spiral Jetty (Muelle en espiral) en 1970 creada por Robert Smithson en el Great Salt Lake de Utah (Gran Lago Salado). Fue construida con 6.783 toneladas de rocas, tierra, escombros, cantos rodados, cristales de sal y algas. El trabajo, de enorme dificultad, necesitó el empleo de volquetes, tractores y excavadoras. El paraje elegido era un espacio industrial abandonado en Salt Lake City.

La obra se inicia en la orilla del Gran Lago Salado, penetrando en él, creando una espiral en sentido contrario a las agujas del reloj, dejando así en las líneas de piedra un doble pasillo en la arena.

Esta obra todavía puede observarse al día de hoy, aun cuando el nivel del agua aumenta, amenazando con hacerla desaparecer, hecho que su creador tuvo en cuenta, sabiendo que su existencia es limitada. De esta manera, se convierte en algo efímero, y desaparece la necesidad de apropiarse de la obra por parte del espectador. El espacio no está para ser representado sino para ser experimentado.

Boceto de Spiral Jetty.

Obras de Land art

Las obras de Land Art se exponen en su mayoría en el exterior y están sometidas a la erosión natural. Algunas obras representan la relación entre el hombre el medio ambiente que en unos casos manifiesta admiración por la naturaleza y en otros una alteración debido al deterioro del medio ambiente.

Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del oeste estadounidense a finales de los años sesenta. Las obras más impresionantes fueron realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks que significa trabajo de tierras.

La materia prima de las obras son los elementos que encontramos en la naturaleza. El soporte de la obra es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural.